20세기 음악: 흐름, 악파와 단절
음악사
무조성, 슈프레히게장, 신고전주의: 콩쿠르와 마스터클래스에서 20세기를 마주하는 성악가를 위한 현대 레퍼토리 지도.
출처 Jean Mislin · 음악학자, 오르간 연주자, 합창 지휘자 · Adeline Toniutti의 스승 Adeline Toniutti 연구의 일환으로
20세기 음악이란 무엇인가?
20세기 음악은 더 이상 하나의 공유된 조성 체계가 아니라, 여러 언어의 공존입니다. 평균율과 낭만주의 반음계가 힘을 다한 뒤, 작곡가들은 선법, 민속, 복조성, 무조성, 12음 기법, 신고전주의, 그리고 전음향 음악으로 작법을 새롭게 합니다. 콩쿠르나 마스터클래스에 서는 성악가에게 과제는 이 현대 레퍼토리(슈프레히게장, 비조성 음고, 스트라빈스키식 리듬)를 지도화하면서도 건강한 발성 제스처를 지키는 일입니다. Pierrot lunaire에서 봄의 제전과 6인조의 오라토리오까지 이어집니다.
조성 체계의 종언과 쇄신의 길
18세기까지 불균등 평균율은 전조를 제한했습니다. 평균율(1691년 베르크마이스터가 이론화하고, 바흐가 평균율 클라비어곡집으로 보여 준)은 모든 조성을 열었습니다. 19세기 반음계(감7화음, 먼 전조, 미해결음)는 조성을 흔들리게 했고, 리스트는 조성 없는 바가텔을 씁니다.
20세기 초, 평균율 체계는 소진된 듯 보였습니다. 작곡가들은 여러 길을 택합니다. 옛 선법으로의 회귀(니더마이어 학파, 프랑스 작곡가들), 민속과 이국 선법(바르토크), 온음 음계(드뷔시), 제한된 이조 선법(메시앙), 복조성(미요, 오네거, 루셀, 스트라빈스키), 신고전주의, 반음계의 일반화와 무조성으로의 이행(쇤베르크, 베르크, 베베른; 제2 빈 악파). 무조성은 조성 중심을 거부합니다. 역사적 진화를 이어 가더라도 근본적인 단절입니다.
제2 빈 악파: 무조성과 12음 기법
바그너적 첫 시기를 거친 뒤, 아르놀트 쇤베르크(1874-1951)는 1908년 성악이 있는 제2 현악 사중주(마지막 두 악장)에서 무조성의 길로 들어섭니다. 1912년 Pierrot lunaire는 이정표입니다. 그는 슈프레히게장(말하듯 노래하기)을 실험하고, 무조 작법을 옛 형식(Lied, 왈츠, 바르카롤, 푸가, 파사칼리아)에 맞춥니다.
1923년까지 쇤베르크는 작품을 적게 쓰며 새 기법을 다듬습니다. 피아노를 위한 다섯 소품 op. 23의 왈츠에서 12음 방법(12음 기법)을 적용합니다. 제자 베베른(음색 선율, 무조성 속에서도 전통 형식)과 베르크(후기 낭만주의와 연결; 오페라 Wozzeck)가 그와 함께 제2 빈 악파를 이룹니다. 성악가에게 슈프레히게장과 비조성 음고는 정확한 음정, 딕션, 후두의 여유를 요구하며, 「현대적」 소리를 내려고 억지로 밀어붙이지 않아야 합니다.
스트라빈스키, 봄의 제전과 세 시기
이고르 스트라빈스키(1882-1971)는 림스키-코르사코프에게 배웠고, 디아길레프에 의해 세상에 알려집니다. 불새(1909), 페트루슈카(1910-11), 이어 1913년 봄의 제전의 스캔들입니다. 러시아 시기(1910-1919)는 급격한 리듬, 이동된 악센트, 복조성(페트루슈카 주제를 C장조와 올림F장조로), 선법적·민요적 선율을 중시합니다.
신고전 시기(1919-1951)는 풀치넬라(페르골레시)로 시작합니다. 전후 더 명료한 음악으로, 콕토와 6인조와의 대화 속에 있습니다. 이어 Oedipus Rex, Apollon musagète, 시편 교향곡(1930), The Rake's Progress가 따릅니다. 마지막으로 음렬 시기(1951-1971)는 쇤베르크보다 베베른에 더 가깝습니다. 스트라빈스키는 「자기 시대의 거울」로 읽힙니다. 성악적으로 봄의 제전과 결혼은 리듬, 지구력, 안정된 위치를 요구하며, 마스터클래스와 성악 수업에서 다듬기에 적합합니다.
드뷔시, 라벨과 6인조
드뷔시(1862-1918)는 색채의 병치, 이국 음계, Pelléas et Mélisande로 독일 낭만주의에 대응합니다. 라벨(1875-1937)은 그 자유를 신고전적 섬세함과 스페인 영향으로 이어 갑니다.
1918년 이후, 사티(Parade, 1917)와 콕토(Le Coq et l'Arlequin)의 자극 아래 6인조(앙리 콜레가 1920년 1월 Comœdia에 붙인 이름)가 미요, 오릭, 풀랑크, 오네거, 타예페르, 뒤레를 묶습니다. 바그너와 인상주의에 대한 반발이며, 뮤직홀·서커스·장터 취향입니다. 상징작으로는 Le Bœuf sur le toit(미요, 1920), Les Mariés de la Tour Eiffel(1921)이 있습니다. 오네거는 Le Roi David(1921)를 씁니다. 미요(1892-1974)는 복조성을 중심에 두고, 브라질과 재즈를 받아들입니다(La Création du monde, 1923).
1950년 이후와 오늘의 성악가
1950년부터 각 창작자는 고유한 언어를 세웁니다. 구체 음악(피에르 셰페르, 1948)과 전자 음악(쾰른, 슈톡하우젠), 전체 음렬주의(메시앙, 불레즈, Le Marteau sans maître, Domaine musical 1954), 열린 형식(존 케이지), 확률 음악(크세나키스). 제도로는 다름슈타트, IRCAM, GRM이 있습니다.
성악가에게 20세기는 섬세한 음정, 리듬, 음색, 때로는 슈프레히게장이나 소음을 요구하되, 지지와 후두 건강을 희생해서는 안 됩니다. CALYP의 Adeline Toniutti(아델린 토니우티) 방법은 이 레퍼토리들을 발성 해부학, 마스터클래스, 성악 수업과 연결합니다. 음악사 허브를 참고하시기 바랍니다.
연표 이정표
- 1908-1912: 쇤베르크 무조성; Pierrot lunaire.
- 1909-1913: 스트라빈스키의 디아길레프 3부작; 봄의 제전 스캔들.
- 1920-1923: 6인조; 12음 기법(op. 23).
- 1948-1954: 구체 음악; Domaine musical; 전체 음렬주의.
- 1951-1971: 음렬 시기 스트라빈스키; 1950년 이후의 다원적 경로.
FAQ
« 20세기 모든 음악의 직접적 기원은 바그너의 트리스탄이다. » - A. Goléa
20세기 음악에 관한 자주 묻는 질문
20세기 음악의 주요 흐름은 무엇입니까?
선법, 민속, 복조성, 무조성과 12음 기법, 신고전주의, 이어 전음향, 전체 음렬주의, 열린 형식. 하나의 통일된 양식이 아니라, 여러 「음악들」을 말합니다.
무조성과 12음 기법이란 무엇입니까?
무조성은 조성 중심을 거부합니다(쇤베르크, 1908년부터). 12음 기법(1923년부터)은 12개 음을 음렬로 조직하여 조성 위계를 피합니다.
봄의 제전이 왜 중심적입니까?
1913년 러시아 발레를 위해 초연된 봄의 제전은 거친 리듬, 이동된 악센트, 복조성으로 청중을 충격에 빠뜨리고 세기를 규정했습니다.
6인조는 누구로 구성되었습니까?
미요, 오릭, 풀랑크, 오네거, 타예페르, 뒤레로, 1920년 콜레가 붙인 이름 아래 사티와 콕토를 중심으로, 바그너적 낭만주의와 인상주의에 맞서 모였습니다.
출처와 인용
주제를 더 깊이 다루기 위한 이정표와 인용입니다.
- Jean Mislin: 음악학자, 오르가니스트, 합창 지휘자이자 Adeline Toniutti의 스승. Adeline Toniutti의 연구 맥락에서 활용된 노트.
- A. Goléa : « 20세기 모든 음악의 직접적 기원은 바그너의 트리스탄이다. »