La musica del XX secolo: tendenze e voce
STORIA DELLA MUSICA
Atonalità, Sacre du printemps, Gruppo dei Sei: riferimenti per affrontare il repertorio moderno senza perdere il gesto vocale sano.
Fonte Adeline Toniutti · Coach vocale, fondatrice del CALYP
Che cos'è la musica del XX secolo?
La musica del XX secolo non è più un solo sistema tonale condiviso, ma una pluralità di linguaggi. Dopo l'esaurimento del temperamento equabile e del cromatismo romantico, i compositori rinnovano la scrittura con modi, folklore, politonalità, atonalità, dodecafonia e poi l'elettroacustica. Per il cantante, la sfida è affrontare questo repertorio moderno conservando un gesto vocale sano, da Pierrot lunaire al Sacre e agli oratori del Gruppo dei Sei.
Fine del sistema tonale e vie di rinnovamento
Fino al XVIII secolo il temperamento ineguale limitava le modulazioni. Il temperamento equabile (teorizzato da Werckmeister nel 1691, illustrato da Bach nel Clavicembalo ben temperato) apre tutte le tonalità. Nell'Ottocento il cromatismo rende la tonalità fluttuante: Liszt scrive una Bagatella senza tonalità.
All'inizio del Novecento il sistema temperato sembra esaurirsi. Vie: modi antichi (scuola Niedermeyer); folklore (Bartók); scala per toni interi (Debussy); modi a trasposizione limitata (Messiaen); politonalità (Milhaud, Honegger, Roussel, Stravinsky); neoclassicismo; atonalità (Schoenberg, Berg, Webern). L'atonalità rifiuta un polo tonale: rottura radicale.
Scuola di Vienna: atonalità e dodecafonia
Dopo un primo periodo wagneriano, Arnold Schoenberg (1874-1951) sceglie l'atonalità dal 1908 nel Secondo quartetto d'archi con voce. Nel 1912 Pierrot lunaire è una data capitale: sperimenta lo Sprechgesang (canto parlato) e adatta la scrittura atonale a forme antiche.
Fino al 1923 compone poco ed elabora una nuova tecnica. Nel Valzer delle Cinque pezzi per pianoforte op. 23 applica il metodo dei dodici suoni. Gli allievi Webern e Berg (opera Wozzeck) formano con lui la Seconda scuola di Vienna. Al cantante servono precisione d'intonazione, dizione e libertà laringea, senza forzare un suono «moderno».
Stravinsky, il Sacre e i tre periodi
Igor Stravinsky (1882-1971), formato da Rimskij-Korsakov, è rivelato da Diaghilev: L'uccello di fuoco (1909), Petruška (1910-11), poi lo scandalo del Sacre du printemps (1913). Il periodo russo (1910-1919) privilegia ritmo abrupto, accenti spostati, politonalità e melodie modali o popolari.
Il periodo neoclassico (1919-1951) inizia con Pulcinella; seguono Oedipus Rex, Apollon musagète, Sinfonia di Salmi (1930), The Rake's Progress. Il periodo seriale (1951-1971) si ispira più a Webern. Vocalmente, il Sacre e le Nozze esigono ritmo, resistenza e impostazione stabile: lavoro di clinica della voce e lezioni di canto.
Debussy, Ravel e il Gruppo dei Sei
Debussy (1862-1918) reagisce al romanticismo tedesco con colori giustapposti, scale esotiche e Pelléas et Mélisande. Ravel (1875-1937) sfrutta questa liberazione con finezza neoclassica e influenza spagnola.
Dopo il 1918, con Satie (Parade, 1917) e Cocteau, il Gruppo dei Sei (etichetta di Henri Collet, gennaio 1920 su Comœdia) riunisce Milhaud, Auric, Poulenc, Honegger, Tailleferre e Durey. Reazione a Wagner e all'impressionismo; gusto per music-hall e circo. Opere simbolo: Le Bœuf sur le toit (Milhaud, 1920), Les Mariés de la Tour Eiffel (1921). Honegger compone Le Roi David (1921). Milhaud pone al centro la politonalità, con il Brasile e il jazz (La Création du monde, 1923).
Dopo il 1950 e il cantante di oggi
Dal 1950 ogni creatore costruisce il proprio linguaggio: musica concreta (Schaeffer, 1948) ed elettronica (Colonia, Stockhausen); serie generalizzata (Messiaen, Boulez, Le Marteau sans maître, Domaine musical 1954); forme aperte (Cage); musica stocastica (Xenakis). Istituzioni: Darmstadt, IRCAM, GRM.
Al cantante il Novecento chiede intonazione fine, ritmo, timbro e talvolta Sprechgesang, senza sacrificare sostegno e salute laringea. Il metodo di Adeline Toniutti al CALYP collega questi repertori all'anatomia del canto, alle masterclass e alla clinica della voce. Vedi l'hub di storia della musica.
Riferimenti cronologici
- 1908-1912: atonalità schoenberghiana; Pierrot lunaire.
- 1909-1913: trilogia Diaghilev di Stravinsky; scandalo del Sacre.
- 1920-1923: Gruppo dei Sei; dodecafonia (op. 23).
- 1948-1954: musica concreta; Domaine musical; serialismo integrale.
- 1951-1971: Stravinsky seriale; molteplicità di percorsi.
Competenza CALYP e Adeline Toniutti
Queste pagine di storia della musica si iscrivono nel lavoro di Adeline Toniutti, cantante, pedagogista e autrice di Anatomia del canto (Marabout / Hachette, 2024). Al CALYP (Centro d'Arte Lirica di Parigi), il XX secolo non è solo curiosità storica: è il terreno dove si impara a cantare il moderno con un gesto vocale duraturo, da Debussy a Berg e Stravinsky.
FAQ
Domande frequenti sulla musica del XX secolo
Quali sono le grandi tendenze della musica del XX secolo?
Modi, folklore, politonalità, atonalità e dodecafonia, neoclassicismo, poi elettroacustica, serialismo integrale e forme aperte. Si parla di musiche, non di uno stile unico.
Cosa sono atonalità e dodecafonia?
L'atonalità rifiuta un polo tonale (Schoenberg dal 1908). La dodecafonia (dal 1923) organizza i dodici suoni in serie per evitare la gerarchia tonale.
Perché il Sacre du printemps è centrale?
Creato nel 1913 per i Balletti russi, impone ritmo selvaggio, accenti spostati e politonalità che sconvolgono il pubblico e segnano il secolo.
Chi compone il Gruppo dei Sei?
Milhaud, Auric, Poulenc, Honegger, Tailleferre e Durey, riuniti nel 1920 da Collet, attorno a Satie e Cocteau, contro il romanticismo wagneriano e l'impressionismo.
Come cantare il repertorio del XX senza farsi male?
Unendo intonazione, ritmo, dizione e sostegno costale, senza forzare la laringe per imitare un suono «moderno». È il cuore del lavoro CALYP di Adeline Toniutti.
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