Preparar el cuerpo para preparar el escenario

Cuando un profesor le dice a un cantante que a su voz le falta «cuerpo», habla de timbre. Describe una sensación. Lo que señala sin nombrarlo es un músculo que nunca se desarrolló para sostener la voz. No es un don que falta: es tejido por construir.

Adeline Toniutti es una vanguardista de la técnica vocal: defendió antes que nadie lo que la ciencia nos afirma hoy.

Hace más de diez años ya enseñaba que el trabajo de fuerza y el cardio no son actividades secundarias del canto, sino una parte del trabajo vocal en sí. En Francia, en esa época, pasaba por una excentricidad. Desde entonces, los otorrinos, los cirujanos de la voz y la investigación le han dado la razón, y Estados Unidos ha hecho de ello un tema público.

De ahí procede toda la posición del CALYP: el coaching vocal debe recentrarse y conectarse al entrenamiento físico. Lo uno no va sin lo otro.

Hablamos de «el escenario» como de un lugar. Es ante todo una distancia. El Olympia de París acoge a 2 824 personas en configuración de concierto. El Stade de France supera las 80 000, sobre un césped de 105 metros de largo. El Plenitude Arena de Nanterre, rebautizado el 1 de julio de 2026, llega a 45 000 plazas y sigue siendo la mayor sala cubierta de Europa.

La cifra que cuenta para un cantante no es el aforo, sino la abertura de escenario y la longitud de pasarela que deberá recorrer cantando. Estos datos existen: los estudios de escenografía que construyen estas giras los publican.

Atravesar cuarenta metros de pasarela sosteniendo una frase ya exige cardio. Darle la vuelta bailando exige un atleta. E incluso sin pasarela, caminar por el escenario para animar al público es un esfuerzo que se paga en el aliento.

El protocolo es antiguo. Michelle Williams contó el entrenamiento de Destiny’s Child bajo la dirección de Mathew Knowles: cantar corriendo sobre una cinta, para que la voz aguantara en directo. De ahí viene la famosa imagen de Beyoncé cantando mientras corre.

Taylor Swift preparó el Eras Tour durante seis meses. Cada día, cinta de correr, cantando todo el repertorio en voz alta: «rápido en los temas rápidos, trote o marcha rápida en los lentos». Fuerza y acondicionamiento en el gimnasio Dogpound, tres meses de danza con la coreógrafa Mandy Moore. Su propio balance: «por primera vez, me preparé físicamente de manera correcta».

Pink hace una hora de cardio y una hora de yoga con sus bailarines antes de casi cada concierto, y lo dice sin rodeos: «a veces me siento más atleta que cantante». En gira cuenta unas cuatro horas y media de trabajo físico al día, incluidas las dos horas de espectáculo, más la revisión del arnés con el que canta en vuelo. Lady Gaga entrena cinco veces por semana, treinta y cinco minutos por sesión, con Harley Pasternak, y canta sobre el VersaClimber, es decir durante el esfuerzo. Madonna trabaja seis días de siete con Craig Smith: intervalos Tabata, Pilates, yoga, barra, kickboxing.

Mylène Farmer construyó su resistencia con el preparador físico Hervé Lewis: carrera, musculación, masajes, alimentación a base de azúcares lentos. En preparación de gira, dos a tres horas de trabajo físico al día, antes incluso de los ensayos de coreografía. El ritmo que cuentan los artistas es casi siempre el mismo: una o dos sesiones por semana al principio, luego tres, luego cinco, y una descarga justo antes de la primera fecha.

El canto clásico vivió mucho tiempo de la creencia contraria: el mito de la Castafiore, que no necesitaría hacer deporte para sostener sus vocalizaciones. La voz como un don que se posa sobre un cuerpo y que podría prescindir de él.

Adeline Toniutti enseña lo contrario, y lo que observa hoy es un despertar internacional.

Según los médicos especialistas de la voz que trabajan con ella, Adeline Toniutti fue una de las primeras del mundo en establecer este vínculo entre trabajo de fuerza, cardio y técnica vocal, hace más de diez años. Hoy son los Estados Unidos quienes lo retoman. Francia va con retraso.

Dos publicaciones, enviadas por la propia Adeline, lo dicen mejor que un largo párrafo.

Jennifer Rowley (@larowley1), soprano dramática estadounidense, fundadora del Aria Bootcamp.

Sus palabras: «Se sigue diciendo a los cantantes de ópera que no deberían levantar peso. Durante décadas nos enseñaron que la musculación iba a apretar la voz, estorbar la respiración, limitar la libertad vocal. Pero nuestras voces no existen aisladas: forman parte del cuerpo. Entrenar con intención ha hecho de mí una intérprete más sólida y más resistente. Y desde luego no me ha impedido cantar el repertorio dramático. Me ha ayudado a llegar.» Le habían dicho que nunca sería cantante dramática. Trabajó los abdominales, y lo llegó a ser.

Maayan Licht (@maayanlicht), sopranista, con el Maestro Fernando Cordeiro (@fernando_cordeiro_opa).

Su voz es increíble, se diría una voz de mujer. Y en este vídeo se le ve con su entrenador haciendo deporte al mismo tiempo que canta. Su pie de foto: «Ser cantante es como ser deportista. Hace falta práctica diaria, concentración, disciplina y ambición para mantener la voz al máximo nivel.»

El mensaje de Adeline Toniutti a Francia está ahí: hay que despertar. Tener voz supone un trabajo de sincronización entre el trabajo de fuerza, el cardio y el coaching vocal.

Los pulmones no tienen motor. El aire es puesto en movimiento por el diafragma, los intercostales, y para la espiración activa del canto, por la faja abdominal: transverso, oblicuos, recto abdominal.

En Anatomie du Chant, el osteópata Jean-Marie Legé explica el papel de los oblicuos: forman un brazo de palanca que permite mandar sobre el diafragma. Los movimientos del diafragma aportan más o menos presión a los pulmones.

Es un ajuste del aire, una mecánica de precisión. No una cuestión de fuerza bruta.

Es el corazón de los cinco puntos pivote. Y por eso los profesores que enseñan «canta con el vientre relajado, sin abdominales» plantean un problema real: esa consigna va contra la medicina y contra las últimas investigaciones.

Puede que haya funcionado para algunos cantantes. A largo plazo, no ha funcionado.

Incluso en los concursos de televisión, en la Star Academy por ejemplo, los alumnos hacen deporte. El problema no está ahí. El problema es que el deporte está demasiado a menudo desconectado de la práctica vocal.

Es exactamente lo que dice la posición del CALYP: el coaching vocal debe recentrarse y conectarse al entrenamiento físico, lo uno no va sin lo otro. Hace falta que el cantante entienda para qué le sirven sus músculos cuando canta, él. Cuando se hace el deporte solo, por su cuenta, no se ve necesariamente el vínculo.

De ahí la consigna: cantar haciendo los movimientos del workout, del crossfit, corriendo. Hacer el deporte al mismo tiempo. Así es como Lady Gaga usa su VersaClimber, como Taylor Swift usó su cinta, como fueron formadas las Destiny’s Child.

Esto supone profesores de canto formados para conducir esas sesiones. Y no lo están nunca, salvo los que van a buscar ellos mismos esa competencia, como los entrenadores de los vídeos de arriba.

Es lo que enseña el CALYP, y por eso se viene de lejos. Vienen de Nueva York, de Los Ángeles, de Corea y del mundo entero para beneficiarse del acompañamiento del CALYP.

El gesto vocal en sí se trabaja con los cinco puntos pivote de Anatomie du Chant. En caso de patología de las cuerdas vocales, la opinión de un otorrino o de un foniatra pasa antes que cualquier programa deportivo.