La expresión escénica

En el capítulo «¡Acción, se rueda!» de La Bonne Voix, Adeline Toniutti comparte sus reflejos escénicos: lo que dicen la entrada, la mirada, la cabeza, la pelvis y las manos antes incluso de la primera palabra. Ella escribe:

«También te hablaré de los reflejos que hay que desarrollar para tu entrada en escena y de los secretos para que tu cuerpo te responda. Todo eso se entrena y se vive de antemano. Los grandes artistas, los grandes deportistas no dejan de decirlo: el trabajo y la toma de conciencia de quiénes somos y quiénes son los demás son las grandes claves para lograr lo que emprendemos y construyen la confianza en uno mismo. Así que cierra los ojos, motor, se rueda. ¡Acción!»

«¿Y si nuestros ojos se encargaran de la puesta en escena? Mientras tomamos la palabra, los ojos deben hábilmente crear vínculo al mismo tiempo que se produce el habla. Ya hemos notado que las personas más carismáticas tienen una mirada natural que engloba a toda la audiencia así como a las cámaras. Fíjate en Freddie Mercury: además de sacar la lengua a la cámara en pleno directo, recorre el escenario como una pantera lanzando miradas que intiman a la multitud.»

«Extraña sensación la de sentirse emocionado porque la estrella del espectáculo te haya podido lanzar una mirada personal. Es el donaire de los grandes: tienen el corazón en la garganta y el alma en los ojos con tal fuerza que cada uno se siente visto y amado. Lanzan miradas que hacen bascular al público como un rayo láser. Creo que cada uno, a su escala, puede trabajar sus movimientos de mirada para reforzar su irradiación energética y dar mayor alcance a su palabra.»

Entre sus consejos:

«Cuando la princesa Diana, la princesa de los corazones, se arrodilla a la altura de los niños que han venido con sus padres para aclamarla, no se arrodilla sólo por el niño, sino por todo el pueblo. Es una inmensa muestra de su respeto y su humildad que marcó al mundo para siempre.»

«¿Quién no ha notado las inclinaciones de pelvis y torso de las estrellas del canto? Celine Dion, Freddie Mercury, Steven Tyler: pensamos que ese gesto rock es para dar estilo. Es más bien el gesto vocal y sus proezas lo que dio ese estilo. Cuando un artista se inclina hacia atrás, va a convocar más contracciones del cinturón abdominal, y lo necesitamos porque cuanto más subimos a los agudos, más presión necesitamos.»

«Evidentemente, me cuesta imaginar al presidente de la República inclinándose hacia atrás durante su declaración televisiva. En cambio, hay un elemento muy importante que debe conservar cada persona que habla: la retroversión de la pelvis. La retroversión se produce cuando inclinamos la pelvis hacia delante y podemos añadir un pequeño desbloqueo de las rodillas. Esa es la postura ideal.»

«Recuerda, todo es movimiento, no te contrataron para hacer de estatua de cera junto a James Bond en el museo de Madame Tussauds. Con esa pelvis en el buen sentido y todo tu cinturón abdominal preparado, estás listo para sostener todas las entonaciones de voz, desde las más suaves y sensuales hasta las más fuertes y audaces.»

«Los investigadores nos lo han dicho: la escena nos pone en estado de conciencia modificado, "en la zona", el estado de flujo descrito por el psicólogo Mihaly Csikszentmihalyi.» Adeline relata las palabras de su amiga Marie Zheng, que masajeó y acompañó a tantos artistas antes de que pisaran el parquet de la Ópera Garnier: «Adeline, el estrés y el pánico escénico son la antesala de la llegada del estado de gracia.» Y también: «Es como un arco que se tensa antes de lanzar la flecha.»

«El cuerpo debe poder ser elástico, se tensa antes de tomar la escena y lo enviará todo en el momento oportuno. Una vez lanzada la flecha, es imposible recuperarla; lo que cuenta es la preparación previa, la visualización del objetivo y el acto de disparar.»

«Recuerdo mi primer prime en la Star Academy. Fue vertiginoso. Esa noche, justo antes del directo, fui al camerino de Nikos quien, como un ángel protector, me dijo unas frases con ese tono seguro y benevolente que solo él sabe.»

«Esa noche, fue el propio Nikos quien me abrió el estado de gracia. Cuando voy a escena, la última canción que escucho es Show Must Go On de Queen. Cada uno tiene su ritual para pasar del estrés y el pánico escénico al estado de gracia.»

Y ese gesto que comparten tantos artistas: «Los artistas cierran los ojos y nuestros corazones se abren. Cuando cerramos los ojos, apagamos una parte de nuestra mente y nos encontramos con nosotros mismos.»

En su autobiografía, Adeline relata el día en que, en los sótanos de la Ópera Bastilla, tras años de trabajo incesante sobre La Traviata, su maestra de canto le susurra: «Ya está, lo has encontrado, tu potencial está abierto, estás lista para presentarte ante cualquier director de orquesta o director de escena, solo te queda aguantar la presión de los castings.»

Es entonces, al sol frente a la ópera, «le soleil sur le nez» (el sol en la nariz), como ella lo describe, cuando interroga ese vínculo tan particular que los intérpretes mantienen con sus papeles:

Cuando se empieza, siempre se busca referirse a una emoción real para «conectar esa emoción» a la canción. Los directores de casting utilizan a menudo esta expresión como garantía de que si el cantante está conectado, el público se alegrará de escucharlo.

Si Barbara canta una violación en L'Aigle noir, y lo canta así, es con toda la contención que tiene hacia el trauma sufrido, y si yo retomo esa canción sin haber sido violada, es para decirle: «De acuerdo, mensaje recibido, querida Barbara, cantaré tu canción con toda la empatía que siento por ti y transmitiré las emociones que sentí al escuchar L'Aigle noir.»

Llega un momento en que uno está conectado, y el entusiasmo (posesión divina en griego) me atraviesa y entonces me conecto a lo que llamo el Edén de los artistas. Marie Zheng, mi amiga maestra de tai-chi-chuan, lo llama «la ducha divina». De todas formas, no hace falta sufrir para expresar el sufrimiento: pasa a través de nosotros para llegar al público que ha venido a escucharnos, y vibramos para aliviar sus penas o vibramos de alegría.

Lo que alimenta nuestra escena es nuestra expresión artística y nuestra aptitud para recibir la Música, percibirla, escucharla, para expresarla al público que ha venido a escucharnos. No hay que buscar la energía en la desgracia, sino canalizar algo que nos viene de lo divino y distribuirlo a voluntad. Mi palabra maestra: la flexibilidad. Flexibilidad de la técnica, de la presencia, de la humanidad, de la conexión: lo que permite al artista ser a la vez él mismo y conducto de la Música y un trozo del Edén.