El período barroco
HISTORIA DE LA MÚSICA
De 1600 a 1750: nacimiento de la ópera, el oratorio y el bajo continuo. Base histórica para abordar el repertorio barroco vocal con justeza de estilo.
Fuente Jean Mislin · Musicólogo, organista y director de coro · profesor de Adeline Toniutti En el marco de las investigaciones de Adeline Toniutti
¿Qué es el período barroco en la música?
El período barroco se extiende aproximadamente de 1600 a 1750. Marca el paso de la polifonía igualitaria del siglo XVI (Palestrina, Lassus, Josquin) a un estilo que privilegia la línea superior y el bajo continuo, inventado para el recitativo. Nacen la ópera, el oratorio, la suite y el concierto. Para el cantante, es la base del repertorio barroco vocal.
Del contrapunto horizontal al bajo continuo
En el siglo XVI, las voces de la polifonía tienen igual importancia y suelen proceder por imitación: cada voz retoma un mismo motivo. La escritura es ante todo contrapuntística y horizontal. La armonía vertical existe, pero aún no equilibra el contrapunto. Compositores representativos: Josquin des Prés, Orlando di Lasso, Palestrina, Victoria, Janequin, Goudimel.
A inicios del XVII un nuevo espíritu busca géneros nuevos. El bajo continuo aligera la escritura: se anotan la línea superior y el bajo cifrado; el acompañante realiza el texto a vista en clavecín u órgano, con el violonchelo sosteniendo el bajo. Se abandona la igualdad de las voces: las intermedias se vuelven relleno armónico. El continuo designa el grupo (clavecín u órgano, violonchelo, a veces contrabajo).
Esta práctica alimenta también el estilo concertante: contrastes entre coros, forte y piano, tempos lentos y rápidos, escritura armónica y contrapuntística, timbres distintos. Ese clima sonoro da forma a la ópera, el oratorio y los grandes géneros instrumentales.
Ópera y oratorio: el stilo rappresentativo
La ópera aparece en Italia hacia 1600, en Florencia, en los círculos de Bardi y Corsi. Músicos y poetas inventan el stilo rappresentativo: declamación musical sostenida por un bajo continuo cifrado, el recitativo. Creen recuperar la tragedia griega; los temas vienen de la mitología, sobre todo Orfeo y Eurídice.
En 1600, la Euridice de Jacopo Peri (libreto de Rinuccini) se considera a menudo la primera ópera: recitativo sistemático, poca polifonía, comprensión de las palabras. Caccini compone otra Euridice; Cavalieri crea al mismo tiempo el oratorio en Roma. La fecha clave sigue siendo el Orfeo de Claudio Monteverdi (1567-1643): toccata, prólogo, cinco actos, conciliación del contrapunto culto y de la declamación lírica.
En Francia, Lully (1632-1687) fija la ópera francesa: obertura a la francesa, prólogo, cinco actos, coros y ballets. En Inglaterra, Purcell deja Dido y Eneas y El rey Arturo. En Alemania, Schütz compone Dafne (1627, perdida); Hamburgo se convierte en foco de ópera. En el XVIII, la escuela napolitana (Zeno, Metastasio) estructura el libreto: recitativo secco o accompagnato, aria fuera de la acción, virtuosismo vocal.
Géneros instrumentales: suite, sonata, concierto
Las piezas instrumentales dejan de ser meras transcripciones vocales. La sonata en trío (dos violines, bajo y teclado) domina el XVII; aún en 1752 Quantz recuerda la igualdad teórica de las dos voces superiores. La sonata para violín solo explota los avances de la luthería (violín casi acabado hacia 1600). La suite se apoya en un núcleo de danzas; el concierto opone un concertino (o un solista) al ripieno.
En el XVIII el esquema de suite más habitual es Allemande-Courante-Sarabande-Gigue, a menudo con preludio. En Francia Couperin habla de Ordres y Rameau de suites descriptivas. El concerto grosso (Corelli, op. 6; Haendel, op. 6 de 1740) cede terreno al concierto de solista en tres movimientos (allegro-adagio-allegro) bajo la influencia de Vivaldi. Bach compone en 1721 los seis Conciertos de Brandeburgo, entre el grosso y el solista.
A menudo se distingue da camera (danzas) y da chiesa (movimientos por tempo). Las fronteras entre sonata, suite y concierto siguen siendo porosas en todo el barroco.
Compositores clave y apogeo (1700-1750)
Siglo XVII: Italia (Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Alessandro Scarlatti), Francia (Lully, Charpentier), Alemania (Schütz), Inglaterra (Purcell). Primera mitad del XVIII: Couperin, Rameau, Vivaldi, Domenico Scarlatti, Johann Sebastian Bach (1685-1750) y Georg Friedrich Haendel (1685-1759).
« Una composición libre en la que la imaginación se entrega a todo lo que se le presenta. » - François Couperin
Bach, cantor en Leipzig, concentra cantatas, Pasiones, el oratorio de Navidad, la Misa en si menor y el arte de la fuga. Haendel, formado en Italia bajo la influencia de Corelli, triunfa en Londres con la ópera y luego el oratorio inglés. Vivaldi multiplica los conciertos de solista (más de quinientas obras) con un lirismo nacido de la ópera. Juntos cierran el gran ciclo barroco hacia 1750.
Cronología
- hacia 1600: bajo continuo, Euridice de Peri, nacimiento de la ópera y del oratorio.
- 1607: Orfeo de Monteverdi en Mantua.
- 1620-1650: suite para laúd y luego clavecín (Allemande-Courante-Sarabande); Schütz, Frescobaldi.
- 1670-1713: auge del concerto grosso (Corelli op. 6); Lully, Purcell.
- 1685: nacimiento de Bach, Haendel y Domenico Scarlatti.
- 1721 / 1740: Brandeburgueses de Bach; Concerti grossi op. 6 de Haendel.
- 1750: muerte de Bach, fin convencional del período barroco.
« Desde entonces el marco queda fijado por mucho tiempo: el recitativo secco hace avanzar la acción, el recitativo acompañado anuncia el aria, que se desarrolla fuera de la acción; los conjuntos son raros; la sola virtuosidad vocal concentra el interés de un público a menudo distraído. » - Jean-Louis Martinoty
« Que un alemán pudiera importar la ópera italiana a Londres muestra a la vez el dominio de la opera seria en Europa (fuera de Francia) y la importancia de la circulación de ideas y géneros. » - Jean-Louis Martinoty
« De donde concluyo que los franceses no tienen música y no pueden tenerla, o que si alguna vez la tienen, tanto peor para ellos. » - Jean-Jacques Rousseau
« El solo de concierto es un papel que debe concebirse y realizarse como un personaje dramático. » - Camille Saint-Saëns
Preguntas frecuentes sobre el período barroco
¿Cuáles son las fechas de la música barroca?
Aproximadamente 1600-1750: desde el nacimiento de la ópera y del bajo continuo hasta la muerte de Bach, a menudo tomada como cierre simbólico.
¿Qué es el bajo continuo?
Una escritura aligerada (melodía + bajo cifrado) realizada en clavecín u órgano, con violonchelo en el bajo. Sostiene el recitativo y estructura ópera, oratorio y música instrumental.
Ópera y oratorio: ¿qué diferencia?
Ambos nacen hacia 1600 con el continuo. La ópera es teatro cantado en escena; el oratorio, primero en Roma (Cavalieri), narra un tema a menudo sagrado sin acción escénica completa.
¿Qué compositores barrocos importan al cantante?
Monteverdi, Purcell, Lully, Charpentier, Bach, Haendel, Vivaldi y la escuela napolitana: recitativos, arias, cantatas y Pasiones forman una escuela de estilo y de aliento.
¿Cómo abordar el estilo barroco vocal?
Mediante la lectura de partitura, el fraseo, la entonación y el respeto de los estilos históricos.
Fuentes y citas
Referencias y citas para profundizar en el tema.
- Jean Mislin: musicólogo, organista y director de coro, profesor de Adeline Toniutti. Notas en el marco de las investigaciones de Adeline Toniutti.
- Jean-Louis Martinoty, Voyages à l'intérieur de l'opéra baroque : « Desde entonces el marco queda fijado por mucho tiempo: el recitativo secco hace avanzar la acción, el recitativo acompañado anuncia el aria, que se desarrolla fuera de la acción; los conjuntos son raros; la sola virtuosidad vocal concentra el interés de un público a menudo distraído. »
- Jean-Louis Martinoty, Voyages à l'intérieur de l'opéra baroque : « Que un alemán pudiera importar la ópera italiana a Londres muestra a la vez el dominio de la opera seria en Europa (fuera de Francia) y la importancia de la circulación de ideas y géneros. »
- Jean-Jacques Rousseau, Lettre sur la musique française (1753) : « De donde concluyo que los franceses no tienen música y no pueden tenerla, o que si alguna vez la tienen, tanto peor para ellos. »
- François Couperin : « Una composición libre en la que la imaginación se entrega a todo lo que se le presenta. »
- Camille Saint-Saëns (1905) : « El solo de concierto es un papel que debe concebirse y realizarse como un personaje dramático. »
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