La ópera: historia y formas del teatro lírico
HISTORIA DE LA MÚSICA
Definición, orígenes florentinos, difusión europea y reforma de Gluck: hitos del género lírico, base del repertorio con el método de Adeline Toniutti en CALYP.
Fuente Adeline Toniutti · Coach vocal, fundadora de CALYP
¿Qué es la historia de la ópera?
La historia de la ópera relata la evolución de una obra teatral cantada con orquesta, en la que decorados, vestuario y a veces la danza sirven a una misma acción dramática. Nacida en Florencia hacia 1600, inventa el recitativo, fija el aria y los coros, y se diversifica en opera seria, opera buffa y tragédie lyrique. Para el cantante, esta historia aclara estilo, dicción, virtuosismo y exigencias técnicas del repertorio lírico.
Florencia hacia 1600 y el Orfeo de Monteverdi
La ópera nace en Italia, en los círculos florentinos de Bardi y Corsi. Músicos y poetas reaccionan contra la polifonía vocal densa: inventan el stilo rappresentativo, declamación musical sobre bajo continuo cifrado, es decir el recitativo. Los temas vienen de la mitología; domina el mito de Orfeo y Eurídice.
En 1600, la Euridice de Jacopo Peri sobre libreto de Rinuccini se considera la primera ópera: sin polifonía, sin música puramente instrumental, recitativo sistemático para entender las palabras. Caccini compone otra Euridice casi al mismo tiempo. Cavalieri, en los mismos círculos, crea el oratorio en Roma.
La fecha decisiva sigue siendo el Orfeo de Claudio Monteverdi (1567-1643), pedido por el duque de Mantua «lo mismo, pero mejor» tras Peri. Libreto de Striggio, prólogo tras una toccata tocada tres veces, cinco actos: amor pastoral, anuncio de la muerte de Eurídice, descenso a los infiernos, prohibición quebrada, apoteosis con Apolo. Monteverdi concilia el contrapunto con la declamación lírica natural; lo confirma con La coronación de Poppea.
Difusión europea en el siglo XVII
En Italia la moda se extiende rápido. Venecia inaugura en 1637 un teatro público: temas más populares, pasajes cómicos, maquinaria compleja; se imponen Cavalli y Cesti. En Nápoles, Alessandro Scarlatti (1660-1725), autor de 115 óperas, generaliza el aria da capo (A-B-A') y el bel canto virtuosístico. Se fija la distinción entre opera seria y opera buffa.
En Francia, pese a Mazarino, el gusto por el ballet resiste. Jean-Baptiste Lully (1632-1687), de origen italiano, fija la ópera francesa: obertura a la francesa, prólogo, cinco actos, coros y ballets mayores. Temas mitológicos: Amadis, Armide, Cadmus et Hermione, Isis, Atys. Su casi monopolio en la corte de Luis XIV frena a otros compositores hasta 1687.
En Inglaterra, Henry Purcell (1659-1695) deja Dido y Eneas y El rey Arturo. En Alemania, Schütz compone una Dafne perdida (1627); Hamburgo anima el fin de siglo con Theile y Keiser.
Siglo XVIII: Nápoles, Rameau y la querella de los Bufones
La primera mitad del siglo la domina la escuela napolitana en toda Europa salvo Francia. Los poetas Zeno y sobre todo Metastasio (1698-1782) reforman el libreto: pocos personajes, tres actos, tema antiguo, escena en recitativo (secco al clave, accompagnato con orquesta) y luego aria de expresión, coro final. Los cantantes, castrados a la cabeza, imponen el virtuosismo; cada da capo se adorna.
En Francia, tras Lully, el opéra-ballet (Campra, Destouches, Charpentier) mezcla estilos francés e italiano. Rameau se impone con Hippolyte et Aricie (1733): tragédies lyriques, comedias, opéra-ballets, recitativo expresivo, arias en rondeau, coros numerosos, fausto «versallesco».
La querella de los Bufones estalla en 1752 con La serva padrona de Pergolesi en París. Rousseau y los enciclopedistas defienden la buffa natural frente a la armonía de Rameau; Voltaire sostiene a este último. La disputa acelera el opéra-comique y debilita la tragédie lyrique. En Inglaterra, Händel escribe unos cuarenta operas italianos ricos en coro (Rinaldo, Orlando).
La reforma de Gluck y los elementos de una ópera
Christoph Willibald Gluck, formado en el estilo italiano, colabora con Calzabigi (Orfeo, Alceste, Paride ed Elena, 1762-1770) y lleva a cabo en París su reforma sobre libretos franceses: Iphigénie en Aulide (1774), Orphée et Eurydice, Alceste, Armide, Iphigénie en Tauride (1779). Reduce la acción a tres actos, une la obertura al drama, destierra trinos y da capo inútiles, refuerza orquesta y coro, y somete la danza al relato. El prefacio de Alceste lo resume: la música sirve a la poesía, sin adornos superfluos.
Los elementos estructurales del género siguen siendo la base del trabajo vocal:
- Obertura: clima dramático, a menudo como primer movimiento de sinfonía.
- Recitativo: hace avanzar la acción (secco o accompagnato), cercano al habla.
- Aria: texto breve, expresión y virtuosismo, momento del bel canto.
- Conjuntos: dúo, trío, cuarteto…
- Coros: grupo o muchedumbre, a menudo a cuatro voces mixtas.
Estas formas estructuran el repertorio de las masterclasses y las clases de canto: recitativo, proyección del aria, coros, registros y agudos.
Hitos cronológicos
- 1600: Euridice de Peri en Florencia.
- c. 1607: Orfeo de Monteverdi en Mantua.
- 1637: teatro público en Venecia; Cavalli, Cesti.
- 1670-1687: Lully fija la ópera francesa en la corte de Luis XIV.
- c. 1689: Dido y Eneas de Purcell.
- 1733: Hippolyte et Aricie de Rameau.
- 1752: querella de los Bufones en París.
- 1762-1779: reforma de Gluck, de Orfeo a Iphigénie en Tauride.
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Preguntas frecuentes
¿Cuál es la definición de ópera?
La ópera es una obra teatral cantada con orquesta, a menudo enriquecida por la danza, el decorado y el vestuario: una síntesis de artes al servicio de una acción dramática única.
¿Cuál fue la primera ópera de la historia?
Se suele citar la Euridice de Jacopo Peri (1600, Florencia). El Orfeo de Monteverdi sigue siendo la primera gran obra maestra del género.
¿Qué diferencia hay entre recitativo y aria?
El recitativo hace avanzar la trama, cercano al habla (secco o accompagnato). El aria detiene el tiempo dramático para la expresión y el virtuosismo del solista.
¿Por qué reformó Gluck la ópera?
Para devolver la música al servicio del drama: menos adornos gratuitos, obertura unida a la acción, declamación más simple, orquesta y coro reforzados.
¿Por qué interesa la ópera al cantante de hoy?
Impone exigencias precisas de respiración, dicción, registros y resistencia. En CALYP este repertorio se trabaja con el método de Adeline Toniutti, anclado en la anatomía del canto.
Experiencia CALYP y Adeline Toniutti
Esta página se basa en el trabajo de Adeline Toniutti, cantante, pedagoga y autora de Anatomía del canto (Marabout / Hachette, 2024), escrita con 26 especialistas. En el Centre d'Art Lyrique de Paris (CALYP), la historia de la ópera no es decorado cultural: estructura el trabajo de recitativo, aria y coros en masterclass y clase.
Comprender de dónde vienen el stilo rappresentativo, el da capo, la reforma de Gluck o la opera buffa da claves de interpretación concretas, unidas a la postura, el aliento y la salud vocal.
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