Bühnenpräsenz

Im Kapitel „Aktion, läuft!" aus La Bonne Voix teilt Adeline Toniutti ihre Bühnenreflexe mit: Was der Auftritt, der Blick, der Kopf, das Becken und die Hände noch vor dem ersten Wort aussagen. Sie schreibt:

„Ich werde dir auch von den Reflexen erzählen, die du für deinen Bühnenauftritt entwickeln solltest, und von den Geheimnissen, damit dein Körper dir gehorcht. All das wird trainiert und im Voraus gelebt. Große Künstler, große Sportler hören nicht auf es zu sagen: die Arbeit und das Bewusstsein darüber, wer wir sind und wer die anderen sind, sind die großen Schlüssel zum Gelingen dessen, was wir unternehmen, und bauen das Selbstvertrauen auf. Also schließ die Augen, Motor, läuft. Aktion!"

„Was wäre, wenn sich unsere Augen um die Inszenierung kümmerten? Während wir das Wort ergreifen, müssen die Augen gleichzeitig mit der Sprache geschickt Verbindung herstellen. Wir haben bereits bemerkt, dass die charismatischsten Menschen einen natürlichen Blick haben, der das gesamte Publikum sowie die Kameras umfasst. Schau dir Freddie Mercury an: abgesehen von seinem Zungenzeigen in die Kamera mitten im Direktübertragung, durchstreift er die Bühne wie ein Panther und wirft Blicke, die die Menge einschüchtern."

„Seltsames Gefühl, davon bewegt zu sein, dass der Star der Show einem persönlich einen Blick zugeworfen haben könnte. Das ist der Panache der Großen: sie haben das Herz in der Kehle und die Seele in den Augen mit solcher Kraft, dass sich jeder angeblickt und geliebt fühlt. Sie werfen Blicke, die das Publikum wie ein Laserstrahl umreißen. Ich glaube, dass jeder in seinem eigenen Maßstab an seinen Blickbewegungen arbeiten kann, um seine energetische Ausstrahlung zu stärken und seiner Sprache mehr Tragweite zu verleihen."

Unter ihren Tipps:

„Als Lady Diana, die Prinzessin der Herzen, sich auf die Höhe der Kinder bückt, die mit ihren Eltern gekommen sind, um sie zu bejubeln, bückt sie sich nicht nur für das Kind, sondern für das gesamte Volk. Das ist ein ungeheures Zeichen ihres Respekts und ihrer Bescheidenheit, das die Welt für immer berührt hat."

„Wer hat die Becken- und Torsoverkantungen der Singstars nicht bemerkt? Celine Dion, Freddie Mercury, Steven Tyler: wir denken, dass diese Rockgeste dem Stil dient. Es ist eher die Stimmgeste und ihre Virtuosität, die diesen Stil hervorgebracht hat. Wenn ein Künstler sich nach hinten neigt, wird er mehr Kontraktionen des Bauchmuskelgürtels hervorrufen, und wir brauchen das, denn je höher wir in die Höhe gehen, desto mehr Druck brauchen wir."

„Natürlich kann ich mir den Staatspräsidenten kaum vorstellen, wie er sich bei seiner Fernsehansprache nach hinten lehnt. Jedoch gibt es ein sehr wichtiges Element, das jeder Sprechende bewahren sollte: die Retroversion des Beckens. Die Retroversion findet sich, wenn wir das Becken nach vorne kippen, und man kann ein leichtes Entsperren der Knie hinzufügen. Das ist die ideale Haltung."

„Denk daran, alles ist Bewegung. Man hat dich nicht engagiert, um die Wachsfigur neben James Bond bei Madame Tussauds zu spielen. Mit diesem Becken in der richtigen Richtung und deinem gesamten Bauchmuskelgürtel bereit bist du ausgerüstet, um alle Stimmtönungen zu tragen, von den sanftesten und sinnlichsten bis zu den kräftigsten und kühnsten."

„Die Forscher haben es uns gesagt: die Bühne versetzt uns in einen veränderten Bewusstseinszustand, 'in die Zone', den Flow-Zustand, den der Psychologe Mihaly Csikszentmihalyi beschrieben hat." Adeline berichtet von den Worten ihrer Freundin Marie Zheng, die so viele Künstler massiert und begleitet hat, bevor sie das Parkett der Opéra Garnier betraten: „Adeline, Stress und Lampenfieber sind das Vorzimmer der Ankunft des Gnadenstands." Und: „Es ist wie ein Bogen, den man spannt, bevor man den Pfeil abschickt."

„Der Körper muss elastisch sein, er spannt sich vor der Bühnenübernahme und wird alles im richtigen Moment aussenden. Einmal abgeschossener Pfeil ist es unmöglich ihn zurückzuholen; was zählt, ist die Vorbereitung vorher, die Visualisierung des Ziels und das Abschießen."

„Ich erinnere mich an meine erste Primetime-Show bei der Star Academy. Es war schwindelerregend. An jenem Abend, kurz vor dem Direktübertragung, begab ich mich in die Garderobe von Nikos, der mir wie ein Schutzengel einige Sätze mit dem selbstsicheren und wohlwollenden Ton sagte, den nur er kennt."

„An jenem Abend war es Nikos selbst, der mir den Gnadenstand öffnete. Wenn ich auf die Bühne gehe, ist das letzte Lied, das ich höre, Show Must Go On von Queen. Jeder hat sein eigenes Ritual, um vom Stress, vom Lampenfieber, zum Gnadenstand zu gelangen."

Und diese Geste, die so viele Künstler teilen: „Die Künstler schließen die Augen und unsere Herzen öffnen sich. Wenn wir die Augen schließen, schalten wir einen Teil unseres Geistes aus und finden uns mit uns selbst."

In ihrer Autobiografie erzählt Adeline von dem Tag, an dem ihr in den Untergeschossen der Opéra Bastille, nach jahrelanger intensiver Arbeit an La Traviata, ihre Korrepetitorin zuflüstert: „So ist es, du hast es gefunden, dein Potenzial ist offen, du bist bereit, vor jedem Dirigenten oder Regisseur aufzutreten, dir bleibt nur noch, den Druck der Vorsingen zu ertragen."

Dort, in der Sonne auf dem Vorplatz der Oper, „le soleil sur le nez" (die Sonne auf der Nase), wie sie es beschreibt, befragt sie jenes ganz besondere Band, das die Interpreten mit ihren Rollen unterhalten:

Wenn man anfängt, versucht man immer, sich auf eine echte Emotion zu beziehen, um sich mit dieser Emotion in einem Lied zu verbinden. Casting-Direktoren verwenden oft diesen Ausdruck als Garantie, dass wenn der Sänger verbunden ist, das Publikum froh sein wird, ihn zu hören.

Wenn Barbara eine Vergewaltigung in L'Aigle noir singt, und sie es so singt, dann mit all der Zurückhaltung, die sie für das erlittene Trauma hat, und wenn ich dieses Lied aufgreife, ohne vergewaltigt worden zu sein, dann um ihr zu sagen: „OK, Botschaft empfangen, liebe Barbara, ich werde dein Lied mit all dem Mitgefühl singen, das ich für dich habe, und die Emotionen übertragen, die ich beim Zuhören von L'Aigle noir gespürt habe."

Es kommt ein Moment, in dem man verbunden ist, und der Enthusiasmus (göttliche Besessenheit auf Griechisch) durchdringt mich, und dann verbinde ich mich mit dem, was ich das Eden der Künstler nenne. Marie Zheng, meine Freundin und Meisterin des Tai-Chi-Chuan, nennt es „die göttliche Dusche". In jedem Fall muss man nicht leiden, um Leiden auszudrücken: es geht durch uns hindurch, um das Publikum zu erreichen, das gekommen ist, uns zuzuhören, und wir schwingen, um dessen Schmerzen zu lindern, oder wir schwingen vor Freude.

Was unsere Bühne nährt, ist unser künstlerischer Ausdruck und unsere Fähigkeit, die Musik zu empfangen, sie wahrzunehmen, sie zu hören, um sie dem Publikum auszudrücken, das gekommen ist, uns zuzuhören. Man soll keine Energie im Unglück suchen, sondern etwas kanalisieren, das uns vom Göttlichen kommt, und es nach Belieben verteilen. Mein Leitwort: die Geschmeidigkeit. Geschmeidigkeit der Technik, der Präsenz, der Menschlichkeit, der Verbindung: das, was dem Künstler erlaubt, gleichzeitig er selbst, ein Kanal der Musik und ein Stück des Edens zu sein.