Симфония: истоки, классика, романтизм и XX век
ИСТОРИЯ МУЗЫКИ
Оркестровая культура, необходимая оперному певцу, чтобы уравновесить себя с оркестром в яме и на концерте.
Источник Jean Mislin · Музыковед, органист и хоровой дирижёр · преподаватель Аделин Тониутти В рамках исследований Аделин Тониутти
Что такое история симфонии?
История симфонии прослеживает путь от инструментальных интермедий оперы к самостоятельному жанру: от итальянской увертюры (быстро-медленно-быстро) к четырёхчастной форме мангеймской школы, Гайдна и Моцарта, затем к расширению у Бетховена и в романтизме. Для певца это оркестровая культура: дышать, ставить голос и отвечать яме.
Истоки: от греческого корня к итальянской увертюре
Слово от греч. sun (вместе) и phonein (звучать): слияние звуков, любая не монодическая музыка. В эпоху Возрождения так называют разные инструментальные пьесы. В XVII-XVIII веках это ритурнели и интермедии оперы (Шютц, Sinfoniae sacrae 1629; Шарпантье; Делаланд при дворе).
В Италии Алессандро Скарлатти (1660-1725) называет sinfonie увертюры своих опер. Жанр рождается, когда увертюры играют на концерте сами по себе, по плану быстро-медленно-быстро. Вивальди пишет 18 симфоний с 1716 (в основном струнные); Саммартини (первая 1734) соединяет барокко и галантный стиль. Руссо (1775) уже отмечает, что «симфония» может означать любую инструментальную музыку, чистую или с голосами.
Мангейм, Гайдн, Моцарт: классика
Мангеймская школа (И. Стамиц, Рихтер, Каннабих, К. Стамиц), мост между барокко и классицизмом, закрепляет классический оркестр: крепкий струнный корпус (около 20 скрипок, 4 альта, 4 виолончели, 2 контрабаса), деревянные по два, валторны, трубы, литавры; три концертирующие группы. Добавляет менуэт третьей частью, строит первую часть в сонатной форме, вводит оркестровые crescendo и decrescendo. Во Франции Госсек (около шестидесяти симфоний) и Concert Spirituel готовят почву.
Гайдн (1732-1809) настолько оттачивает жанр, что его чуть преувеличенно зовут отцом симфонии. После трёхчастных опытов (Утро, Полдень, Вечер) он пишет в четырёх частях, проходит Sturm und Drang (№ 45 Прощальная fis-moll), затем шесть парижских (№ 82-87, 1785-86) и двенадцать лондонских (№ 93-104, 1791-95). Моцарт оставляет 41 симфонию; последние три 1788 года (№ 39 Es-dur, 40 g-moll, 41 Юпитер C-dur), не сыгранные при жизни, вместе с Гайдном венчают XVIII век. Инструментальная музыка становится предметом слушания, а не украшением праздника.
Бетховен и романтическая симфония
Бетховен (1770-1827) наследует классическую форму, но расширяет дух и масштаб. Девять симфоний (1799-1824): № 1 и 2 ещё близки Гайдну и Моцарту; Героическая (1804) нового размаха; Пятая (1808, Theater an der Wien) объединена клеткой судьбы; Пасторальная в пяти частях; Девятая (1824) с хором и солистами на оду Шиллера, образец для Вагнера и Малера. Менуэт сменяется скерцо (кроме № 1 и 8); оркестровка по выразительной ценности инструментов.
Шуберт (девять, Неоконченная, Большая C-dur) соединяет певучие темы и смелую гармонию. Мендельсон (пять, в т.ч. Итальянская и Шотландская) любит ясность и воздушную фактуру. Шуман (четыре, Весенняя, Рейнская) предвещает цикличность. Во Франции Берлиоз создаёт драматическую программную симфонию: Фантастическая (1830), Гарольд в Италии, Ромео и Джульетта, Траурно-триумфальная.
Постромантизм, национальные школы и порог XX века
После 1850 Лист (Фауст, Данте), Брукнер (девять огромных симфоний, контрапункт, массивный оркестр, до восьми валторн в Восьмой) и Брамс (четыре «чистые» симфонии, 1876-1885, с финалом-чаконой в Четвёртой) задают германский постромантизм. Малер (десять симфоний, 1885-1911, и Песнь о земле 1908) соединяет человеческий голос с большим, но часто лёгким оркестром, близким оркестровому Lied, и уже открывает XX век.
Во Франции: Франк (d-moll, 1886-88), Сен-Санс (№ 3 «с органом», посвящена Листу, Ливерпуль затем Париж 1887), Бизе, Шоссон, Дюка. Иные школы: Дворжак (девять), Чайковский (шесть, Патетическая), Римский-Корсаков, Бородин, Сибелиус (семь, 1898-1924). Каждая продолжает диалог классической формы, национального колорита и оркестровых плотностей, которые певец должен уравновешивать в яме.
Хронология и ключевые сочинения
- 1716-1734: Вивальди, Саммартини; итальянская sinfonia на концерте.
- ок. 1750: Мангейм; четыре части, сонатная форма, crescendo оркестра.
- 1785-1795: парижские и лондонские Гайдна; триада Моцарта 1788.
- 1804-1824: Бетховен от Героической к хоровой Девятой.
- 1830: Берлиоз, Фантастическая; программа и тембр как структура.
- 1876-1911: Брамс, Брукнер, Малер; постромантизм и голос в оркестре.
Частые вопросы о симфонии
Сколько частей в классической симфонии?
Обычно четыре: allegro (часто сонатная форма, иногда с медленным вступлением), медленная часть, менуэт затем скерцо, оживлённый финал. Бетховен нарушает правило в «Пасторальной» (пять) и «Девятой» (хор).
Почему Гайдна называют отцом симфонии?
Он доводит жанр (четыре части, расширенный оркестр, сонатная форма) до парижских и лондонских образцов; ярлык чуть преувеличен: жанр уже жил в Мангейме и Италии.
Что такое программная симфония?
Сочинение, где литературный сюжет или программа ведёт части (Берлиоз, Фантастическая; Лист). Не только размышление: драма разыгрывается напрямую, тембром и иногда голосом.
Чем это помогает певцу?
Понимание оркестра калибрует дыхание, краску и диалог с ямой, особенно когда голос входит в симфонию (IX Бетховена, Малер) или звучит на плотном сопровождении.
С чего начать слушать?
Классика: лондонская Гайдна или 40-я Моцарта. Романтизм: Пятая Бетховена, затем Фантастическая Берлиоза. Далее Брамс I или Малер II, если важны хор и большой оркестр.
Источники и цитаты
Цитаты и атрибуции из заметок по истории музыки Жана Мислена (не полная библиография).
- Jean Mislin: музыковед, органист и хоровой дирижёр, преподаватель Аделин Тониутти. Заметки в рамках исследований Аделин Тониутти.
ДАЛЬШЕ ПО КЛАСТЕРУ
В разделе истории музыки
К ПРАКТИКЕ
Диалог с оркестром, а не только чтение партитуры
Свяжите историю симфонии, культуру ямы и вокальную технику с командой CALYP Аделин Тониутти.